Cuando leí la primera versión del guión,
del guión de Eric Roth,
había varios antes de éste, realizados años atrás.
No podía dejar de leerlo para ver lo que iba a pasar después.
Yo no tenía ningún deseo ni obligación
de hacer una película basada en un tipo con bajo nivel intelectual.
Me pareció que era el protagonista ideal,
y yo estaba intrigado por saber
lo que le iba a ocurrir al protagonista en esta rara historia.
Quería saber lo que iba a pasar.
Y cuando tienes un guión en el que ocurre esto,
aunque el comienzo no estaba en buenas condiciones,
esto es siempre una buena señal.
La pluma siempre apareció al principio de la película en el guión.
No estaba en el final. Eso lo añadimos más tarde,
en versiones posteriores del guión.
Pero la pluma fue siempre algo como...
Para mí representa una metáfora,
relacionada con la aleatoriedad de la vida y el destino.
Con el destino porque cae a los pies de Forrest
y con la aleatoriedad porque podía haber caído en cualquier otro lugar,
como en el hombro del otro tipo.
Para mí fue siempre una metáfora,
como si al ser humano le llevara el viento.
Creo que ésta es la verdadera naturaleza de la historia de Forrest.
Esto es lo maravilloso de la historia que vamos a contar.
No se sabe qué dirección va a tomar, hasta que ocurren las cosas.
No puedo imaginarme a otro actor interpretándolo.
Tom era el actor perfecto para ello.
Era algo que él quería hacer. Confié en él,
y no me demostró nada hasta el día en que empezó.
No dijo: "Déjame mostrarte el Forrest que voy a interpretar".
No fue ésta la situación. Fue confianza mutua.
Yo sabía que estaría preparado para la ocasión.
Tuvimos mucha suerte de que Tom no trabajara
durante las primeras dos semanas de rodaje.
Realicé todas las tomas con el niño.
Y creo que Tom sólo hizo lo de Vietnam o algo de eso,
y algo de Forrest cuando era joven,
como cuando corría por todo el paseo de robles de la casa,
y ese tipo de cosas.
La forma en que programamos la realización fue providencial
para que el protagonista...
para que Tom se sumergiera realmente en su papel.
Y entonces, cuando finalmente llegamos al banco en Savannah,
lo cual estaba a un poco más de la mitad de lo programado,
Tom dijo: "Esto es como tomar un baño caliente.
"Me siento muy cómodo en este papel".
Había llegado al punto en que estaba dentro de su papel.
Tom narró toda la película y yo rodé todo el hilo de la narración.
Porque creo que permanecimos allí unos tres días,
sólo para rodar las tomas del banco.
Y, por supuesto, aquellas escenas espectaculares y lo demás.
Pero yo sabía que si no rodábamos cada línea,
parecería más una lectura que una interpretación.
Parecería narrado, así que interpretó cada línea de la narración
y después de eso, nos dejamos llevar por Forrest.
Él lo entendió por completo.
Por supuesto esas fueron...
las tomas más difíciles las realizamos después,
estando en el estudio, no en exteriores.
Creo que otra cosa que ocurrió en el proceso de esta película
fue que cada vez que intentábamos forzar algo, no funcionaba.
Y siempre teníamos que asegurarnos de que se viera la parte de Gump.
Y... esto sucedió incluso a la hora de elegir exteriores.
Porque... este exterior, por ejemplo,
abarca dos tercios de la película,
y simplemente parecía que era el lugar ideal.
Y aún así no había banco ni lugar donde sentarse.
Así que tuvimos que apañarnos.
Hasta que finalmente encontramos un lugar donde construir la casa.
Un lugar donde Bob pudiera venir y finalmente decir:
"Éste es el sitio adecuado".
Queríamos que todas las tomas de la primera infancia de Forrest
parecieran salidas de las ilustraciones de Norman Rockwell.
Así que elegimos los colores,
y de hecho, la escena de la escuela que viene ahora
fue inspirada literalmente por una de sus ilustraciones.
Viendo a Sally Field ahora,
me acuerdo de que Bob decía que...
los primeros 20 minutos de la película, o algo así,
que toda la película se mantiene gracias a la interpretación
de la madre de Forrest Gump.
Esto no sólo va a continuar hasta que ella muere en la película,
sino que era realmente importante encontrar una actriz muy buena
que mantuviera despierto el interés hasta que apareciera Tom Hanks.
Y Sally es definitivamente
una actriz de envergadura que podría llevar esto a cabo.
Siempre vi a Sally en este papel. No sé por qué.
Wendy Finerman, la productora, la mencionó
durante el primer día o semana que firmé el contrato.
Y dije algo así: "Sí, Sally. Muy bien".
Y le envié el guión a Sally. Estaba un poco preocupado
porque ella en el fondo tiene que interpretar...
Cuando lo dices no es realmente así:
"¿Sally, te gustaría hacer el papel de la madre de Tom?"
Pero no se trata de eso realmente. Ella envejece con maquillaje, y...
Leyó el guión y firmó el contrato en un segundo.
Simplemente lo decidió así.
También es interesante cómo encontramos al pequeño Forrest,
que apareció en el momento justo, de forma que este jovencito...
respondió a una convocatoria para buscar actores,
que creo que tuvo lugar en Memphis, Tennessee.
Él vivía en Mississippi del Norte,
y su madre le animó a ir e intentar entrar en la película.
Ellen Lewis, directora de reparto, trajo la cinta a Los Ángeles
y todos nos quedamos... con una gran sonrisa en la cara,
porque acabábamos de ver a este personaje único
que hasta el momento nadie había visto en ningún sitio.
Así que dimos cita a varios niños para un...
bueno, para leer unas líneas delante de la cámara,
porque algunas veces se ponen demasiado nerviosos
y no son capaces de actuar en absoluto.
Este jovencito, Michael Humphreys creo que es su nombre,
apareció en pantalla sin ningún tipo de miedo.
Todo lo que quería era un sandwich de manteca de cacahuete.
En esta escena se percibe ese punto de vista de Rockwell
fuera de la oficina del director.
Pero hay un elemento en esta escena que siempre me ha fascinado,
y es este gráfico.
Porque así es como Bob nos muestra el coeficiente intelectual de Gump.
Lo maravilloso de este gráfico es que si no existiese,
si Forrest no tuviera un coeficiente por debajo de lo normal,
esta historia no podría contarse.
Bob fue capaz de aislar a este niño y a este personaje como un simplón,
de quien se desprende una inocencia
que le permite tomar parte en los acontecimientos de la película
sin tener ningún punto de vista que destruya las escenas.
La razón por la que ha podido tener el efecto que ha tenido en el mundo
se basa en su inocencia y en su simplicidad.
Y creo que otra de las cosas divertidas sobre esto
es que incluso aunque a Forrest se le considerara estúpido,
estúpido en todo su significado,
él nunca hizo nada estúpido.
Su corazón le dirigía siempre hacia el camino correcto.
Uno siempre se pregunta cómo un niño como éste
puede tener un entendimiento tan grande sobre el humor de esta escena.
La forma en que todo empezó fue cuando Wendy Finerman tuvo una idea
al leer un libro que había comprado en los 80.
Yo no sé exactamente de qué iba,
pero cuando Eric Roth aceptó el compromiso de adaptar el libro,
era ya el último de una fila de escritores.
No sé cuántos hubo antes que fueron incapaces de descifrarlo.
Él se dio cuenta de que lo que hacía funcionar la historia...
lo que hacía funcionar la película, era la historia de amor.
Así que prácticamente, es la adaptación de Eric Roth
la que hace que la película sea así.
Es como el matiz de la película y su matiz es la clave,
y esto es lo que uno hace cuando es director.
No hay forma de explicarlo. Simplemente se sabe lo que es.
Es como la famosa definición de 'pornografía': "Lo sé al verlo".
Tienes que sentirlo cuando estás ahí, en el montaje.
"Esto no funciona, tiene que ir así".
O: "Lo haces con demasiado cuidado, hazlo de forma espontánea".
O: "La gracia la tiene el hecho
"de que no entiendes que estás siendo gracioso".
Lo que intentamos... todo está inspirado por el guión, claro.
El guión es lo que te inspira,
pero lo que tiene que hacer el director es mantenerlo intacto
y evitar que se estropee.
Y las películas que mejor funcionan son aquellas
en las que te encuentras totalmente a tono con este matiz exacto,
porque en una película así, uno está un poco entre la espada y la pared.
Podía haber creado algo muy cursi
o pasarme al otro lado y realizar algo bastante grotesco.
Así que es justo... justo esa pequeña diferencia...
Y eso es, por supuesto...
Es espantoso cuando lo estás haciendo.
Es simplemente, muy difícil.
Hay algo interesante sobre Elvis.
Trabajamos con Peter Dobson en las series de Johnny Vega.
Sabíamos que Peter era un fan de Elvis en el fondo de su corazón,
y conocía muy bien sus movimientos.
Él era perfecto para interpretar a Elvis.
Y entonces Bob también se acordó de que Kurt Russell
había hecho una película de Elvis de joven,
que es probablemente la mejor representación de Elvis en film.
Así que Bob contrató a Kurt Russell
para que pusiera la voz de Elvis en la película.
La forma elocuente en que habla el niño
es su forma natural de hablar.
Tom estaba buscando una voz para Forrest,
y cuando oyó hablar a este niño, decidió que ésa era la voz.
Creo que reprodujo ese ritmo al representar al Forrest adulto.
Yo sabía que esta escena iba a permanecer en la película
porque el hijo de Bob, el de Don Burgess, la hija de Tom
y mi sobrino estaban en el bus y todos tomaban parte en el diálogo.
Creo que la pequeña Hannah venía desde Colorado.
Creo que vivía en Aspen.
Y nunca había trabajado antes en una película.
Es interesante que tuviera el mismo tipo de personalidad tan especial,
un interior herido,
que iba muy bien con el personaje que Robin dio vida en el film.
Aunque fuera bonita.
Este árbol estaba junto a la casa, al otro lado de la calle,
que estaba junto a la granja donde Jenny había crecido,
además de las escenas de Vietnam.
Sí, creo que hicimos adelantos.
Cuando encontramos Oak Alley donde emplazamos la casa de Forrest,
no sólo pudimos realizar las tomas donde se encontraba su casa,
y donde encontramos este roble tan hermoso y la casa de Jenny,
sino que también rodamos todas las tomas de Vietnam,
junto a un camino en la misma plantación.
Y luego también en Baufourt, que está cerca,
donde podíamos rodar las otras escenas de Vietnam,
las de la pesca del camarón, hasta que esta producción tan variada
empezó a simplificarse.
Hasta el punto que podíamos rodar todo en el mismo sitio,
y emplazar la base de rodaje en un lugar,
aunque transportando al espectador...
por todo el Sur.
Y creo que otro aspecto de esto
es que nunca cambiamos nada en este paseo de robles.
Simplemente lo dejamos tal y como estuvo durante muchos años
porque estaba relacionado con las raíces más profundas de Forrest,
que en realidad nunca cambiaron.
Éste era su corazón, a pesar de que todo lo demás cambiara.
Y me encanta el hecho de no haber llevado a cabo
ningún cambio o arreglo del paisaje.
Y luego, esta secuencia
es realmente mágica, cuando pienso en ello.
Simplemente ver lo que pasa con estos aparatos ortopédicos
y cómo Forrest se transforma.
Una película realmente grande es una combinación perfecta
entre realidad y espectáculo. Cuando puedes ofrecer espectáculo
por medio de los actores, la acción,
los efectos especiales, o por ejemplo, recreando la Roma Antigua,
o lo que quiera que estés haciendo,
y al mismo tiempo combinarlo con una historia humana auténtica.
Entre nuestras películas favoritas, ésas son las mejores.
Es diferente de las películas en las hay dos personas en una sala,
y hablan sobre sus emociones, que resulta del todo aburrido.
Así que no se puede hacer sin espectáculo
y tampoco puede ser sólo espectáculo.
De forma que cuando se combinan ambos elementos...
Si uno busca en su propia videoteca las películas que a uno le gustan,
creo que la mayoría tienen esta combinación.
Éste de aquí es un doble corriendo.
Después de un rato, a Michael no le gustaba mucho correr,
y tuvimos que darle un poco de ayuda.
Él se tomaba lo de correr como si estuviera aprendiendo.
¿Cómo pueden decir algunas personas que alguien aprende?
Cierto.
Y ésta es la casa que construimos. Plantamos todo el campo.
Sí, el campo debía estar como estaba al final de la película,
cuando se llega por primera vez a la plantación,
sin cultivos de ningún tipo, nada verde.
- Claro. - La cabaña ya estaba allí, ¿no?
- No. - ¿Se construyó todo el conjunto?
- Sí. - La cabaña estaba ya en pie.
Ya estaba construida y se trajo hasta aquí,
y luego se le añadió una parte.
Para hacer una película,
pienso que tienes que tener una historia irresistible,
y yo busco personajes que sufren cambios drásticos en su carácter.
Porque, como expliqué antes,
eso es lo que les pasa a todos los personajes principales.
Y creo que de eso se trata en películas de este género.
Se basan en personajes que sufren cambios,
y por tanto los cimientos del film están en el personaje.
Entonces es cuando uno entiende de qué va una película.
Y ya se lleva a cabo de forma melodramática,
como cuando un viejo pistolero abandona las armas,
pero luego tiene que volver a usarlas una vez más para salvar la ciudad,
o ya sea una historia más sutil sobre emociones humanas,
todo trata siempre de un personaje
que tiene pasar por alguna prueba,
y al mismo tiempo, sufrir algún cambio en su carácter.
Éste es el tipo de película que yo encuentro más irresistible.
Así es que eso es lo que busco. Y si observas todas mis películas
vas a encontrarlo ahí, incluso en las comedias,
e incluso en "Lo que la verdad esconde".
En este caso, el suspense de toda la película
se basaba en si Michelle Pfeiffer decía la verdad o no.
Y para mí, al menos yo sé hasta dónde llega la película cuando tengo esto.
Es interesante. Tuvimos una transición mucho más elaborada,
desde Forrest como niño
hasta Forrest adulto, como personaje de Tom Hanks, pero...
Bob decidió que ésta sería una forma mucho más aventurera
a la hora de sumergir al espectador en el fondo de nuestra historia.
Y creo que tenía razón.
Lo que propuse al equipo de sonido, a Alan y a los editores,
fue que debíamos poner los discos, como si hubiera una radio en escena.
Porque una de las cosas que sucedían,
no sé si suceden ahora, pero en mi generación...
Es diferente ahora porque hay mucha variedad de música,
pero en mi generación todo el mundo oía la misma música.
Si entrabas en casa de un joven de 16 años, oías lo mismo
que en casa de cualquier otro joven de 16. Era uno de esos fenómenos.
Podíamos usar esto como indicador de los hechos históricos.
Cuando Al y yo nos reunimos y comentamos:
"Ahora, ¿cómo vamos a hacer esta combinación de temas y discos?"
Surgió una maravillosa idea,
cuando Alan concluyó: "Yo destaco toda la emoción
"y los discos pueden servir como paisaje".
Y esto fue lo que hicimos.
Los discos se ponen en momentos de acción, como cuando corre Forrest,
y aparece Alan.
En Vietnam, suenan prácticamente sólo los discos,
hasta que empiezan a morir, y Al entra en acción furtivamente.
Así es como hicimos la película.
Y cuando corre por todo EE. UU. Todo son discos.
De forma que los discos iban con el paisaje, formando parte del montaje,
mientras Alan se limitó a componer para las emociones de los personajes.
Estábamos un poco como esperando.
Yo no tenía ni idea de que esto pudiera funcionar.
Cuando te planteas algo depende de cómo lo examines todo.
Lo puedes ver de forma muy melodramática,
como si fuera una telenovela.
No hay reglas, no existen reglas al contar una historia.
No había "malos" en la película,
ni una bomba a punto de explotar ni nada por el estilo,
que mantuviera la intriga. Y yo no estaba seguro.
Ahora, después de los hechos, entiendo que Forrest era un inocente,
así que lo que decía a todo el mundo tenía que ser la verdad.
Y esto hace que funcione su personaje, porque es como un niño.
Como no tiene reglas que lo sujeten, lo que dice se toma tal como viene,
y eso permite que la historia funcione.
Todas las secuencias que tenían un contexto histórico
requirieron una cantidad tremenda de investigación.
Porque nosotros las recreamos perfectamente,
por lo que necesitamos encontrar
miembros en el reparto que fueran idénticos a los personajes reales,
y recrear partes para que pareciera...
En un momento podías estar viendo un acontecimiento real
y en otro una reproducción donde no se puede notar la diferencia.
En algunos casos poníamos a Forrest ante un hecho real,
y en otros reproducíamos el mismo acontecimiento incluyendo a Forrest,
de una forma en la que no se sabe lo que se está viendo.
Hace falta habilidad y es muy, muy difícil.
Creo que era como...
Pienso que era muy irónico
que tantos presidentes fueran asesinados a lo largo de mi vida.
Y cuando los pones todos juntos en una película de dos horas,
es realmente impresionante.
Bueno, no todos eran presidentes,
pero gente famosa y políticos y todo eso.
Así que pensé que esto aparecería como... algo como... cómico
en términos de humor negro. Un humor macabro,
que nos sirviera de algo así como puntos de referencia
en la historia moderna de EE. UU.
Una de las cosas que siempre me gustaron de esta película
es que transcurría en el sur
y muchos acontecimientos históricos de este periodo
giraban realmente en torno al sur.
Así que esto fue como un viaje a través de nuestros tiempos,
en particular nuestros tiempos desde una perspectiva sureña.
Otra cosa es que, cuando me paraba a observar estos coches,
me daba cuenta de que se trataba de nuestros tiempos.
En realidad muchos de nosotros crecimos durante este periodo,
así que cuando reconstruíamos estas escenas, o las creábamos,
estábamos reconstruyendo nuestra propia adolescencia.
Yo sé por qué me gusta esta película.
Incluso cuando la estábamos haciendo sabía que me gustaba,
porque estaba reconstruyendo partes de mi propia vida.
Y de verdad pensé que a todos mis amigos también les gustaría,
por la misma razón.
Pero no tenía ni idea de que personas ajenas a esta época
encontraran fascinante esta película.
Pero está claro que este personaje permanece inmune al tiempo,
convirtiéndose, en cierto sentido,
en una película de una época que resultó ser nuestra época.
También, Forrest caminó por esa cuerda floja sin caer,
sin ni siquiera resbalar en todas las cosas en las que todos caímos.
De manera que en todo bien y mal que nosotros defendíamos,
él no tiene ninguna perspectiva.
A Forrest, lo único que le guía es su corazón.
Y aún así, si él hubiera tenido alguna perspectiva para estas cosas
y tuviera alguna opinión al estar en situaciones extrañas,
la película hubiera fallado.
Él no podría haber protagonizado la escena con Wallis
si no hubiera malinterpretado esto.
Y en muchas de las escenas que vienen.
Mantener esta inocencia en estas escenas
es lo que las hace tan buenas.
Viendo el desarrollo de estas escenas
es increíble que todas ellas sean una revelación para Forrest.
Nada para él... Él no entiende nada de lo que pasa en su vida...
hasta que lo experimenta.
Pero nunca he visto a nadie experimentar tanto,
sabiendo tan poco.
Creo que hasta esta parte del film,
uno todavía piensa ser mucho más listo que él.
- Y al final de la película... - Te ha superado.
No, tiene un mayor entendimiento sobre lo que es el hombre
del que creo que tengamos cualquiera de nosotros.
Y se conoce a sí mismo.
Forrest es como un niño pequeño en esta escena.
Pero lo mejor que Bob hace siempre
en escenas como ésta que son muy sensibles,
es que se burla de ellas,
mostrando sólo un poco de sentido del humor,
de forma que uno puede...
disminuir la tensión del momento.
Como poner a la chica de testigo mientras están en la habitación.
Esto es, desde el punto de vista tecnológico,
uno de los dos hallazgos en Forrest Gump.
En realidad, utilizar imágenes de archivo
y recrearlas para una película,
manipulando secuencias históricas,
y creando diálogos nuevos para los personajes históricos,
es algo que, desde luego, no se había realizado antes.
Y de alguna forma abrió las puertas hacia un nuevo camino en el cine.
Cuando hay una escena, en la que va a conocer a Kennedy,
teníamos dos supervisores de post-producción,
que empezaron un año y medio antes de la producción
o un año antes, y simplemente buscaron en todos los archivos,
por todo el país, por todos lados,
y tenían lo esencial del guión, lo que yo necesitaba.
Simplemente regresaron con kilómetros y kilómetros de film
que ellos mismos redujeron a lo que pensaban que podía usarse,
y entonces yo lo examiné todo.
Como cuando Kennedy tenía el balón en la primera toma de todas.
Esto sucedió en Rose Garden, pero encontramos una imagen suya
y le colocamos en la Sala Oval con nuestro plató de fondo,
de forma que lo contemplábamos todo.
Y entonces cuando encontramos las partes del film,
revisamos el guión e intentamos adaptar la historia a lo que había.
Y la secuencia cómica donde Kennedy dice que tiene que hacer pis,
fue inspirada a partir de esta secuencia.
Se da la vuelta en la Sala Oval y mira hacia la cámara.
Y pensamos: "Vale, aquí es donde podemos poner algo cómico".
Y calculamos lo del pis que dio esto como resultado.
Así que todo fue un proceso muy complicado,
cambiando constantemente, hacia adelante y hacia atrás.
La narración se llevo a cabo así.
Ciertas partes eran muy claras y fueron escritas desde muy temprano.
Estuvieron siempre en el guión.
Primero grabamos toda la narración que trataba sobre eventos futuros,
antes de rodar la película.
Y llevaba la grabación conmigo en un pequeño cassette
que le di al editor del guión,
porque yo tenía que crear estas pausas en las escenas.
Como por ejemplo: "Mamá siempre tenía una forma de explicar las cosas..."
entre las líneas del diálogo.
Así que tenía que tener alguna idea sobre cómo iba a realizarlo Tom.
Yo tenía esto en cuenta e intentamos hacerlo bien al rodar
para crear esas pausas.
Entonces, como ya dije, Tom entraba en la película.
Yo me había inspirado en 'Amadeus',
porque lo que me encantó de esta película es que pienso
que, hasta que apareció Forrest Gump, era la película mejor narrada.
Porque normalmente cuando ves una película narrada
es una excusa por tener una mala trama.
Bueno, cuando vi 'Amadeus', lo que me encantó fue
que se podía prescindir del narrador para reaccionar a la escena visual.
Y yo pensé: "¡Guau, esto funciona!"
Así que lo utilicé en Forrest Gump.
Nunca supe qué partes de Tom iba a utilizar en la película,
como las partes en las que narraba, hasta que monté la película entera.
Así que lo rodé todo, lo cual facilitó dos cosas:
Me dio una idea general y permitió que Tom llevara a cabo la narración.
Esto era lo que quería que hiciera.
Así que hicimos todo esto,
y luego editamos la película con toda la narración que teníamos.
Y luego, una vez que teníamos que empezar a editar la película,
y afinarlo todo al máximo,
Tom apareció otra vez e hicimos otra narración para unir las escenas,
eliminar algunas cosas, juntar otras,
cambiando una y otra.
Aquí hay una escena donde habla sobre la madre de Bubba,
que no tuviera que trabajar más en una cocina.
Pero este humor no hacía gracia,
y en una de las tomas, Tom pasó de todo
e hizo algo gracioso estando en escena.
Miró a otro de los actores y dijo: "¿Sabes qué?".
Y contó un chiste verdísimo.
Así que cogí el "¿Y sabes qué?" Y lo puse en la película.
Y al observar esta escena con mucha atención...
al mirar esta parte de la película con atención,
Tom se encuentra un poco fuera del personaje aquí.
Así que fue muy divertido editarlo al final.
De esta forma, yo podía decidir lo que iba a cambiar
y regresar al narrador.
Y en algunos momentos, regresaría a él, cuando por ejemplo
acababa de reaccionar o estaba por comenzar a contar una historia.
Y cuando vuelvo a él y se queda sin decir nada,
se queda como rebobinando, hasta que empieza con su siguiente capítulo.
Creo que esto fue algo inspirado en una canción,
al decidir poner a Jenny cantando "folk" desnuda, en este...
- Bobby Dylan. - Bob Dylan.
Su ídolo era Joan Baez,
pero no sé si el espectador se dio cuenta del póster
de Joan Baez en el dormitorio.
Esa guitarra acústica apoyada junto al muro.
Ésta es una gran toma.
Creo que mientras Robin
aprendía a tocar algunas canciones que interpreta en la película,
no recuerdo bien por qué razón, se me pidió
que le diera lecciones de guitarra.
Creo que puedo sacar unos 6 u 8 acordes de una guitarra,
pero puedo tocar los acordes de la canción que tenía que tocar...
Así que se la enseñé, y cómo tocarla en el escenario.
Como has dicho, Forrest sigue su corazón, adonde quiera que va.
No puede evitarlo.
Y siempre hace lo que es correcto,
como personaje y como hombre.
Y pienso que ésta es la parte más difícil,
porque había muchas preguntas con respecto a la guerra de Vietnam
sobre la mili, el no ir y el luchar en la guerra,
y lo que te convertía en un hombre de esa generación.
Y Forrest parecía ser capaz de hacerlo todo bien.
Justo aquí, te das cuenta y realmente sientes
lo que le importa de verdad...
Esto es en un puente fuera de Savannah, ¿verdad?
- ¿Donde rodamos esto? - Sí, y pusimos las luces.
- Para el club. - Para el exterior del club.
El interior lo hicimos en Los Ángeles.
El personaje de Jenny, pienso que de alguna forma representa
la parte incompleta, es el agujero del alma
de esa generación americana
que no fue capaz de encontrar otra forma de realización personal,
aparte del sexo, las drogas, y rock and roll,
las movidas de la época.
Y Forrest era como este... el representa al...
la imagen de lo que tenía que haber sido América.
Mamá, Dios y tarta de manzana, ¿no?
Y Jenny era... ya sabes, lo contrario a esto.
O sea que lo que tienes es una maravillosa unión de contrarios,
de forma que hay dos personas que son polos opuestos en la sociedad
y se sienten atraídos. Esto es una mina para una película.
Pienso que para los que vivimos aquella época,
aquí es donde empieza a ser muy personal y te llega de verdad.
La imagen completa de lo que significaba ir a Vietnam.
Aunque por supuesto todos tenemos nuestras diferencias sobre...
lo que sentíamos sobre la guerra.
Y por supuesto, Forrest va a un lugar
del que no tiene ni la más remota idea.
Así que lo estamos invitando... a... la fiesta.
Todo nuestro entendimiento y sentimientos sobre esta guerra,
y aún Forrest, con su inocencia, no experimenta estos sentimientos.
Recuerdo que muy al principio Bob hacia referencia a esta escena
con "Mamá" ahí, en el río abrazando a Forrest
y escuchando la canción de los "Creedence Clearwater",
al mismo tiempo que el zumbido de las hélices del helicóptero,
mientras oía la canción.
Y mientras Bob rodaba el final de esta escena,
podía oír las sacudidas antes de esta toma.
Esta parte me aterrorizó cuando la rodamos,
porque ésta era una escena real.
El agua se aproximaba y se escurría por esta zona hasta desaparecer,
y teníamos que elegir un momento en el día en que no hubiera agua.
Pero lo que no se ve
es que el helicóptero no está tocando el suelo.
El piloto podía conducir el helicóptero muy cerca del suelo
para que la estrella de la película pudiera saltar y entrar en escena.
Y cuando tuvimos que hacer una segunda toma casi sufro un infarto.
Pero este piloto, que había pilotado helicópteros en Vietnam
dio en el clavo
cada una de las veces que despegó el helicóptero.
Mykelti Williamson era el actor.
Actuó en una audición e interpretó con Tom.
Y los dos, Mykelti y Gary llegaron
e interpretaron sus papeles.
Tan pronto como les vi supe que el papel era para ellos.
Mykelti apareció con lo del labio.
Fue su idea, él dijo: "Quiero ponerme esto...
"Éste grande y grueso... eh"
Bueno, en la industria del cine lo llamamos "plumper".
Así que se le hizo uno y se le puso ahí,
y cuando me lo enseñó, pensé que era fantástico.
Entonces aparece Gary con esa frase:
"Mejor será que te metas eso para adentro".
Así que lo pusimos todo junto y funcionó de maravilla,
y Mykelti, mientras diseñaba el personaje,
simplemente quería eso, que el labio le colgara de la boca,
muy abierto, así, esto fue idea suya.
No se me pueden dar puntos por eso.
Rodamos estas escenas durante el último día de rodaje, creo.
Sí, eso es, y... en lo alto de esta azotea.
Sí, pusimos en estas pequeñas cajas de arena
a todos los antepasados del personaje de Gary Sinise,
y lo rodamos todo en sucesión,
en la azotea de un hotel en Wilshire Boulevard.
Ésta es una de esas películas donde se va de una cosa a otra
y todas son diferentes.
Esto fue cerca del lugar donde Jenny intenta suicidarse.
El teniente Dan era muy difícil de representar
porque teníamos que crear
un personaje que sufre una transformación increíble.
Tenía que ser muy duro, sin estabilidad emocional,
mostrándose muy severo con nuestro personaje principal,
y hacia el final de la película,
desarrolla una comprensión sorprendente y compasión.
Y mucha simpatía.
Gary Sinise podía acaparar todas las facetas del personaje.
También tenía que estar dispuesto a que le quitaran las piernas.
Sí, eso es verdad.
Hubo mucha gente
que pensó que habíamos elegido una persona lisiada para el papel,
creyendo que añadíamos piernas artificiales a las otras tomas.
Esto fue un verdadero esfuerzo.
Recuerdo que Dale Dye les puso a todos en un campo de instrucción,
para prepararles, ¿sabes?
Sí, eso fue lo que hizo.
Cuando estábamos eligiendo el reparto para estas escenas,
les dijimos antes de que vinieran a la elección del reparto,
que tenían que asistir a este campo de adiestramiento,
con este teniente, Dale Dye, que había servido en Vietnam,
y que es uno de los mejores especialistas en temas militares.
Y tengo que decir
que estos actores regresaban con unas historias espantosas
sobre sus experiencias con Dale,
porque quería que ellos supieran lo que significaba estar allí.
Disparaba con armas de verdad y hacía volar cosas en pedazos,
obligándoles a dormir allí e intentando asustarles
para hacerles entender lo que significaba estar allí.
A algunos actores les encantaba y otros estaban aterrorizados.
Yo he hablado sobre el tema con veteranos del Vietnam, y Dye,
nuestro especialista en la película,
dice que el terreno de California del Sur
es lo más parecido al terreno de Vietnam
que él haya visto en pantalla.
Y esto te hace sentir muy bien.
Sabes que has creado un escenario
que se parece a la realidad.
En esta zona existen serpientes mocasín auténticas,
y tuvimos que hacerlas desaparecer antes de que los actores se metieran.
Sí, creo que pusimos algunas cargas ahí también.
Para despertarlos y asustarlos.
- ¿Fue así? ¿El día del rodaje? - Así fue.
Había una especie de rampa para que pudieran pasar por ahí.
Tom se protegió las piernas por si le mordían.
Así no podrían penetrar y morderle.
Aquí te das cuenta,
bueno, creo que es inconsciente,
pero la decisión que tomó Bob, de no mostrar al enemigo...
Sí, me acuerdo de cuando exploramos los exteriores,
donde iba a tener lugar la batalla.
Pensé: "Qué idea tan brillante". No ver al enemigo en escena.
Creo que esto es algo de lo que Bob se dio mucha cuenta,
de forma que mantenía la intimidad de la escena,
ya que en realidad uno permanece con los personajes,
sin ir más allá del espacio en que se desenvuelven.
Sí, en nuestro trabajo más reciente, "Cast Away",
cuando realizamos la escena del accidente de avión, sólo permitió
al público situarse en el punto de vista del protagonista.
Una vez más, somos testigos de esta batalla aterradora
que tiene lugar en Forrest Gump,
es aún más aterrador,
porque no sabes qué demonios está pasando.
Y cuanto más sabes sobre una situación,
menos aterradora te parece.
Por otro lado, esta regla se rompe por completo
cuando Forrest cuenta historias sobre Jenny,
porque éstas no son cosas que él pudiera saber.
Pero tenemos que saber.
Esto permitió que Jenny permaneciera viva durante la película.
Sí, Bob rompió esta regla que él mismo había creado.
Que no se abandonara nunca el punto de vista del protagonista.
Pero ésta era la única forma en la que él podía pensar
para mantener el protagonismo de Jenny a lo largo de la película.
Y sólo en algunos momentos abandonamos a Forrest
para centrarnos en Jenny.
Ésta es una sola toma.
Teníamos al famoso Dale Dye como especialista en temas militares.
Y le preguntamos: "¿Qué pasó en Vietnam,
"cuando te encontrabas en medio de estas lluvias de fuego?"
Me explicó que todo era una gran confusión de gente.
Eso era todo, todos se limitan a gritar, todo vuela por los aires.
Todo era un puro caos.
Así que me dije: "Bueno, esto es lo que tenemos que hacer".
Y lo único que hice fue...
Quería que todo se viera sólo desde el punto de vista de Forrest.
No se ve a los de la Cruz de Victoria echados, esperando.
Sólo se ve el fuego que sale de los cañones de las armas.
Todo se basa en que estos tipos
acaban de llegar al infierno.
Así que ésta era la idea. Crear un verdadero caos,
y el sonido formaba parte de eso.
Tuvimos la oportunidad...
Éste fue uno de los primeros filmes que realicé donde todo es digital.
Era posible jugar con las frecuencias de forma espectacular.
Todas estas explosiones gigantescas.
Era todo como una capa de sonido,
como una pared de sonido durante la secuencia de la batalla,
todo partía de una especie de...
Era uno de esos momentos en los que uno se estaba divirtiendo demasiado.
Así que era hora de incorporar algo malo.
Y funcionó bastante bien.
Creo que aquí es donde la música de Alan empieza a transportarnos
hacia un nivel que se desarrolla más y más a lo largo del film
desde este momento.
La primera vez que vi la película desde el principio hasta el final
estaba con Alan.
Estaban Alan, mi editor y mis asistentes,
y también estaba Randy Thom, el diseñador de sonido.
Y entre este puñado de gente, pusimos la película...
porque recuerdo que ésta fue la última película que edité en film.
Ya habíamos filmado.
Así que proyectamos la película desde el principio hasta el final.
Alan se fue a su casa y esa misma noche empezó a escribir.
Fue muy interesante,
porque puse una música de improvisación para Alan,
algo que él había compuesto antes, o algo de otro compositor.
Sólo para completar la escena.
Cuando puse el film fue para Alan.
La primera escena, la escena de la pluma, es toda en silencio,
y la única música que puse fue la de los discos.
Cuando la puse para Alan no había música alguna.
Y él se puso con el sintetizador de su casa
y literalmente, escribió el tema inicial esa misma noche.
Porque teníamos que ir a un preestreno o algo así,
y yo le dije: "No sé lo que voy a poner al comienzo".
Así que lo compuso, y conseguimos una improvisación del tema
de este sintetizador con el que realizamos el preestreno,
en nuestros primeros preestrenos.
Éste fue uno de los momentos en los que la película conmovió a Al.
Algunos de sus mejores trabajos están en esta película.
Luego se fue de viaje y un par de meses más tarde,
me presenté donde él vive, en el norte,
y me mostró algunas de sus improvisaciones.
Eran simples improvisaciones en su piano, pero fue maravilloso.
No cambiamos nada.
Este tipo es tan complejo, Gary Sinise,
porque se quiere morir
sólo para continuar con la tradición de sus antepasados.
Quiere morir con dignidad.
Bueno, él tenía un familiar que había muerto en cada guerra.
Y pensaba que ése era su destino:
Morir en la guerra como sus antepasados.
Y no quería que Forrest interfiriera con eso.
Y aquí es donde Forrest es listo
y el capitán Dan no lo es.
Porque él sabe como sobrevivir.
Siempre lo relaciono con el 'McGuffin' de Hitchcock.
Que Forrest fuera tonto
es algo que todos nos limitamos a aceptar como verdad.
Pero de hecho esto no tiene significado alguno,
porque yo creo que era inteligente.
En realidad, su corazón es puro.
Aquí se puede oír al enemigo.
Esto fue muy complicado.
En el ametrallamiento de los aviones, hubo que hacer dos tomas:
Una en la que teníamos a Forrest,
o Tom Hanks, corriendo, cargando con Mykelti.
Luego apartamos a todo el mundo fuera del plató
e hicimos estallar los explosivos,
aquí en esta isla en Carolina del Sur.
Luego unimos las dos partes de la imagen
para que pareciera que Tom corría entre las explosiones.
¿Hay un aparejo que le ayuda a cargar a Bubba?
Sí, pusimos una grúa por arriba,
que disminuía el peso de Mykelti,
de forma que parecía que le levantaba.
La colocamos de forma que pudiera soportar el peso,
y al mismo tiempo pudiera correr cargando a Bubba.
Por supuesto, quitamos el cable más tarde.
Un cámara tiene que entender la historia.
Necesita tener estilo, se haga lo que se haga con la cámara.
Y surgió un gran debate al principio de la película,
cuando yo dije que creía que el film debía rodarse en formato panorámico.
Mis productores, mi cámara y mi editor dijeron:
"¿En panorámica? No se trata de Espartaco.
"Es la historia de un tipo con un bajo coeficiente intelectual".
Y cuando empecé a discutirlo con Don,
nos dimos cuenta de que era una historia para rodar en panorámica
porque Tom corre,
atraviesa la pantalla continuamente.
La única toma que no funcionaba era la del Monumento a Washington.
Y el Monumento a Washington tampoco era compatible en 185.
Pero la película quedaba muy bien en panorámica.
Lo bueno de rodar esta historia íntima en panorámica
es que se pueden hacer aproximaciones con la cámara,
sobre los hombros.
De forma que al tener ambos personajes en el mismo marco,
te hace sentir cerca de los actores.
Don Burgess me dijo: "Lo que pasa al filmar en panorámica,
"la desventaja
"es que las tomas son más difíciles de componer".
"Lleva mucho tiempo y esfuerzo".
"Pero cuando lo consigues casi todas las tomas son fantásticas".
Y tenía toda la razón.
De manera que tienes que esforzarte
para obtener una composición hermosa.
En las escenas de ping-pong, todo parece espontáneo,
pero hay muchas triquiñuelas de Bob.
Aquí es donde creo que se ve su sentido del humor.
Es también una prueba de las habilidades de Tom,
no sólo como actor,
sino que tiene talento en cosas muy diversas.
Me fascina pensar en lo rápido que aprendió a jugar al ping-pong.
No sé si ya lo había intentado alguna vez en su vida.
Pero después de muy poco tiempo jugaba como un experto.
Recuerdo que estábamos en la sala de edición,
improvisando con estas tres canciones
de los "Doors".
Y pusimos todo tipo de canciones
sin pensar que podíamos poner las tres de los "Doors".
No pudimos superar las tres canciones que Bob ya había elegido
para las escenas en que Forrest se convierte en jugador de ping-pong.
Gary comprendió su personaje. Se sumergió por completo en su papel.
Él representa a la parte culpable de EE. UU.,
que manchó de sangre sus manos,
los EE. UU. Del Vietnam.
Su personaje tiene que enfrentarse con los hechos.
Nos vimos involucrados en esta guerra ilegal,
y todo aquello.
Pero representa a EE. UU. En la escena en la que dice:
"Esto no tenía que haber pasado".
"Esto no tenía que haber ocurrido nunca".
Este personaje sufre una transformación muy profunda,
porque tiene que aceptar su destino
y pasar por un periodo de rabia.
Luego por un periodo de aceptación,
y luego por una etapa de sufrimiento
hasta que se encuentra bien consigo mismo.
Es una travesía espiritual muy completa.
Éste es el próximo punto de referencia.
Que esto no tenía que haber ocurrido,
y que había un plan que salió mal.
- Que salió al revés. - Sí.
Y yo creo que así es como muchos de nosotros, de esta generación,
nos sentimos.
No importa de qué parte de la guerra estuvieras.
Aquí es donde comienza a tratarse de algo más importante
que la Guerra del Vietnam o de los años 60.
Son interesantes los dos elementos
que se mencionan al final de la película.
El mensaje es que tenemos un destino,
pero al mismo tiempo flotamos como una pluma en una brisa.
Podemos permitir que lo que quiera que entre en nuestras vidas
nos dirija por diferentes caminos.
Pero al mismo tiempo tenemos la sensación
de que existe un propósito. Y estas dos cosas
se encuentran en un conflicto constante en la película.
Manipular los hechos históricos
es casi como manipular la Historia.
Ya sea escrita, grabada, o como quiera que sea.
No pretendemos que las secuencias originales
que utilizamos, permanezcan cambiadas
pero hemos realizado una película,
que es algo ficticio.
Todo el mundo lo sabe.
Las cuestiones éticas se plantean principalmente a nivel periodístico.
Estas cosas suceden.
Hace un par de años, en las campañas políticas,
algunos políticos se exhibían con otros políticos
o personas famosas con las que querían ser relacionados.
Y aquí es donde se cuestionan las cosas.
Una película es sólo una película.
Mi ejemplo favorito
es que este problema apareció cuando se invento la prensa,
en el siglo XIII, o algo así.
Alguien dijo: "Bien, podemos imprimir la Biblia".
Y añadió: "También podemos imprimir mentiras".
De forma que nadie cree ya
lo que leemos en el periódico.
Todo el mundo acabó por decir: "No me lo voy a creer
porque alguien lo haya escrito".
Y ahora es: "No voy a creérmelo porque la imagen se mueva".
Que la imagen se mueva no significa que sea cierto desde este momento.
Esto es muy triste. O tal vez sea bueno.
Cuestionarlo todo es bueno,
pero puede crearse un montaje digital impecable,
y seguramente alguien con dinero suficiente lo haga.
Y va a ser un gran escándalo, y todo el mundo va a decir:
"Que lo haya visto en las noticias
"no significa que sea cierto".
Apareció un grupo,
mientras filmábamos la escena del Monumento a Lincoln,
que había ido a la Universidad de Columbia,
y había estado presente en una protesta que pensaron
que habíamos representado aquí.
Decían que todo era exacto a lo que recordaban de aquellos tiempos.
Esto te hace sentir muy orgulloso.
Todo el esfuerzo que se hace para reproducir un acontecimiento así...
Por supuesto, ésta era una manifestación que, históricamente,
tuvo lugar en 1968 en la película.
En esta fecha no hubo manifestaciones, sólo en 1967 y 1969.
Así que unimos los dos acontecimientos para crear
este acontecimiento grandioso...
...que Forrest presenció. - Así es.
Recuerdo ir a una manifestación similar en San Francisco,
mientras estaba en la Costa Oeste,
y tuvo cierto impacto en mí.
Porque a pesar de encontrarme en la Costa Este,
podía sentirme en una situación muy similar.
Cuando salí de Los Ángeles para ir a San Francisco, me incorporé
a la marcha de Golden Gate Park.
Siempre que ponemos efectos especiales, planeamos la escena.
Pero lo que pasa con estas imágenes es que tienes que tener cuidado.
Porque aunque tengas una idea de la imagen,
también tienes que ser capaz de cambiarla.
Muchos directores dicen: "Tiene que ser así".
Y hay ocasiones en que, físicamente, no se puede llevar a cabo.
Dibujar la imagen es importante para comunicar la idea
cuando hay mucha gente.
Por ejemplo, planeamos lo de Vietnam.
Hicimos gráficos de las imágenes que necesitaban efectos especiales,
porque es muchísimo más fácil decirle a 15 personas:
"Va a ser algo así".
Es mejor que explicar la secuencia.
Cuando les pones una imagen delante, te dicen:
"Ahora sabemos a lo que te refieres".
Utilizo diseños para esto.
Nunca para escenas entre dos actores.
Como las escenas de Tom y Gary en el apartamento.
Nunca le haría perder el tiempo a un dibujante para que dibujara
tomas por encima de los hombros y cosas así.
Pero si tienes que hacer algo
donde necesitas un regimiento para una sola toma,
es buena idea utilizar estos gráficos.
Cuando ves a tus actores en estas circunstancias
te puedes divertir, pero yo no soy así.
No me divierto mucho cuando hago una película
porque es un trabajo demasiado duro.
A veces la gente te dice: "Eso debe haber sido divertido".
Y tú vas y les dices: "No fue divertido en absoluto".
Porque ver una película es divertido. Pero realizarla
es horroroso, por muchas razones.
Y una de ellas es que, para mí, todo se resume en compromiso.
Eso es lo que hace un director.
Tienes que limitarte a zanjarlo todo, abandonando cosas,
porque por la mañana tienes una larga lista de 20 montajes,
para poder realizar una secuencia y cubrir lo necesario.
Y llega el almuerzo y no tienes ni una sola toma,
y les echas la bronca a todos,
hasta que al final del día has podido hacer algo de alguna forma
y consigues cuatro montajes que puedes utilizar.
Es como: "¡Maldita sea,
"podía haberlo hecho mucho mejor!
"Pero todos han sido muy lentos y tardamos demasiado tiempo".
Y en ocasiones, alguien no se da cuenta de algo, por ejemplo:
"No pusimos grava ahí y el vehículo de la cámara se atascó".
Esto nos hace perder una hora, y piensas: "¡Pero, hombre!".
Hay muchas razones por las que hacer películas no es divertido para mí.
Yo me divierto durante la edición
porque es lo que más me gusta.
Estoy yo sólo, con mi película y mi editor.
Lo que te queda al final del film es como un superviviente,
lo que sale a flote a lo largo del día,
todo lo que has conseguido que funcione de alguna manera.
Lo mejor de esta película,
y esto está presente en todos mis filmes de los últimos 10 ó 20 años,
es que llegas a un punto en el que trabajas con gente tan buena,
tanto en el reparto como en el resto,
que cuando llegas a la sala de ediciones,
no tienes que pararte a editar malas actuaciones,
o malas interpretaciones del guión y cosas así,
porque acabas con una película muy buena.
Y seleccionas del talento artístico de los actores.
No tienes que editar fallos.
Llegas a un punto en que trabajas con profesionales
y acabas con una película muy buena.
Esto es una serie de secuencias
que nos transportan a través del recorrido que hace Jenny
mientras Forrest no estaba con ella.
La cámara le enfoca mientras narra los acontecimientos
de forma que la historia de Jenny conmueve al espectador.
Ésta fue la única forma en que Bob pensó que podía mantener
al corriente al espectador, mientras ella sigue en la película.
Creo que éste es el único momento en que Forrest expresa rabia,
hacia esta persona que maltrata a Jenny.
Y tiene razón.
Cuando ves una escena como ésta,
te preguntas cómo un director artístico
puede poner un puñado de autobuses alrededor de un campo hippy enorme,
con un montón de soportes en la parte de atrás,
como si esto tuviera algún sentido.
Y aún así eso es lo único que te diferencia
de un turista en Washington hoy en día.
Pero ni siquiera te paras a pensar en ello.
Lo absorbes.
Es una forma natural de darle una explicación al hecho
de que te encuentras en esta época con estos manifestantes.
Aunque todo se sacrifica inútilmente.
Y con toda razón.
Y a pesar de todo esto,
lo que yo encuentro interesante
es no sólo haber sido capaces de aterrizar en la Luna,
sino además de reclamar la bandera americana,
poniéndola al fondo.
Eso fue interesante. Cuando hicimos esta escena
en que aparecía uno de los mejores jugadores
de ping-pong de Taiwan.
Esta escena la rodamos
sin pelota de ping-pong.
Nos centramos en los movimientos que se hacen al darle a la pelota
y la incorporamos más tarde.
Éste es uno de los mejores jugadores del mundo.
No podía darle a una pelota invisible.
Nadie puede, por supuesto, pero él no podía ni balancearse.
Rick, esta escena te fascina mucho
porque creo que eres John Lennon.
Bueno, soy un discípulo.
Trabajar en una película con John Lennon
y ver que John encontró inspiración en Forrest
para la canción "lmagine"...
Lo que más me gusta es que no hay nada sagrado.
No existe nada sagrado en este film.
Y todo, ya sea un concepto o las fuentes de cada hecho,
todo puede ser manipulado y puede resultar divertido.
Éste es uno de los mensajes del film: Que no se llega a ningún sitio.
No puedes dejar que nada esté demasiado cerca de tu corazón,
ni pensar que tienes las respuestas
de las preguntas más desafiantes.
Porque siempre hay algo que no está claro,
algo que no tuviste en cuenta.
La clave al elegir un editor
está en conseguir uno con el que te guste estar, a quien respetes.
Debe haber respeto mutuo.
No puedes encontrarte en situaciones antagonísticas con tu editor.
Eso es lo peor que puede pasar.
Porque editar significa colaboración total, es lo ideal.
En la realización de una película, todo se basa en la colaboración,
pero la colaboración es aún más importante a la hora de editar.
Porque tienes que dejar que el editor vea tu película,
abra su mente y te diga:
"Lo que has hecho no es lo que yo había considerado,
"pero funciona".
O te diga: "No, déjalo tal y como lo tenía previsto".
Mi editor empieza a editar desde el primer día de rodaje.
Yo no me doy cuenta pero ahí está él.
Porque siempre llega un momento en el que tienes que ver
cómo está quedando la película, para saber dónde estas.
La conversación que mantengo a diario con mi editor es:
"No, olvídate de eso. Esto no lo uses. Eso no queda bien".
"Córtalo todo".
Ésta es la conversación número uno,
pero la otra conversación que siempre tengo con mi editor es:
"Me alegro de que me hayas explicado esto,
"porque no sabía lo que estaba haciendo".
Cuando estás rodando, él se pregunta: "¿De qué va todo esto?"
Así que tienes que explicárselo todo.
Editar en sí viene cuando tienes que estructurar la última versión.
Entonces necesitas una segunda opinión.
Y realmente quieres a alguien que vea el film de forma objetiva.
El fracaso de un director es ser incapaz de juzgar a sus favoritos.
Realizas una toma maravillosa, lo has conseguido todo.
Y estás muy orgulloso de que todo esté en su lugar.
Todo queda perfecto y el editor dice:
"Es aburrido. Necesito insertar algo para cortar esto por la mitad".
Así que tienes que tener a alguien que sea lo suficientemente objetivo.
Alguien que sea capaz
de colaborar y hacer que el film salga lo mejor posible.
La cinematografía y el rodaje de esta película
son engañosamente simples.
Pero pienso que, para expresar las emociones, debe hacerse así.
Porque se sigue un ritmo al contar la historia
que permite que el espectador se sumerja en la escena
y se centre en lo que tiene que centrarse.
Bob mueve mucho la cámara cuando rueda sus películas
pero siempre centra la imagen en lo más importante de la escena.
Y ésta es la razón por la que todo parece natural,
porque siempre ves lo que quieres ver.
Dirige tu atención hacia lo que debes observar.
Y esto parece simple,
pero es muy difícil.
Invito a cualquiera a que lo intente.
Y Don Burgess lo hace muy bien.
Es un trabajo maravilloso,
entre los dos.
Me refiero a cómo encuentran la simplicidad de la escena,
y dónde deciden poner la cámara para transmitirla.
Todo se basa en pura colaboración.
Uno elige a su cinematógrafo por su trabajo,
sus habilidades artísticas, cómo realiza la iluminación
y cómo compone. Es lo primero que se tiene en cuenta.
Otra cosa que se debe hacer
es entrevistar a la persona y estar seguro de que tiene
una personalidad con la que se pueda colaborar.
Me encanta trabajar con Don porque le gusta prepararse.
Un ejemplo perfecto de la maestría de Don Burgess
es cuando construyó la casa. Fuimos hasta aquel exterior
que se encuentra en un río, en Carolina del Sur.
Rick Carter, diseñador de producción,
había diseñado la casa con unos palos,
con unos postes colocados así.
Sólo para hacernos una idea de la estructura de la casa.
Una imagen de lo que iba a ser,
fabricada prácticamente con palos y cinta.
Y nos mostró dónde iba la casa,
en el río.
Intentábamos hacernos una idea
sobre cómo sería en marzo, que era cuando íbamos a rodar.
Don sacó el GPS y la brújula
y dijo: "¿Cuándo vamos a rodar aquí?" Y respondimos:
"A finales de abril y las dos primeras semanas de septiembre".
Y añadió: "Creo que deberíamos inclinar la casa unos 20 grados".
Lo que permitió que el sol brillara sobre la casa
durante las semanas que pasamos allí,
para que apareciera así de hermosa.
Eso es un cámara que trabaja de verdad
y lo demuestra trabajando en la película.
No exhibiéndose y preguntando: "¿Es de día o de noche?"
Si un cámara te pregunta:
"¿Es de día o de noche?", tienes el cámara equivocado.
No se ha leído el guión.
Para que sea aún más difícil rodar una escena en la que un actor
aparece sin piernas, mientras no le falta ninguna,
Bob ha puesto aún más obstáculos.
Para que parezca aún más difícil
realizar algo así.
Pero uno no se para a pensar en eso.
Y esto es de lo más interesante, casi mágico.
El espectador lo ve así.
No quiere saber dónde está el truco.
Cuando sucede esto en los filmes,
cuando existe un espacio en que ves sólo lo que estás viendo,
sumergiéndote en la historia,
ahí está la magia de una película.
Lo que nos conmueve.
Pero hay otras cosas importantes,
y tienes que conseguirlas para crear esta ilusión.
Esta parte es la más emocionante para mí. Me paraliza.
Vietnam, y el síndrome de Vietnam.
Y luego, de un tirón, Watergate.
Directamente al Hotel Watergate,
el lugar exacto donde ocurrió todo.
Fuimos capaces de mostrar en el film
el lugar exacto. Una parte de la historia que la gente
no había visto antes.
Al entrar en la habitación del hotel, pensé:
"Alguien podría estar viendo esto".
Y pensé en las consecuencias que podía tener... Me gustó mucho.
Utilizar los medios de comunicación
para transportarse en el espacio y en el tiempo.
A Bob le gustan estas secuencias.
Juega con la percepción del público
y vuelve a lo personal.
Una forma de definir cómo percibimos muchos de nosotros
la diferencia entre cómo reaccionamos socialmente
y lo que pensamos de verdad.
En la película representamos
la parte tradicional del Sur.
En cierto modo,
el Sur es la zona más patriótica de EE. UU.
Porque cambia lentamente.
El Sur es algo
que siempre estuvo presente en el guión.
Tenía que estar siempre presente.
Es de donde provienen los personajes de la película.
De ahí venían los que pelearon en Vietnam.
De ahí partieron personas como Jenny
y viajaron por el mundo.
Pienso que lo que conseguimos con el Sur, más que otra cosa,
es que evoca una constante que se repite en el film.
Y emocionalmente funciona muy bien.
La idea de que los personajes siempre volvían a casa.
Pienso que esto sucede en el Sur,
más que en ninguna otra región del país.
Puede transmitirse una constante.
Por ejemplo, esos robles tienen 150 ó 200 años de antigüedad.
Ésta era una de las claves de la película.
Tienes la sensación de regresar a tus raíces para encontrar algo
que permanece intacto mientras el resto del mundo ha cambiado.
Esto se mantiene constante.
Esta secuencia siempre me fascinó.
No sólo por las emociones que despierta,
que creo que es maravilloso, sino por la pausa que hacemos
para contar esta parte de la historia.
El montaje es muy simple.
Más tarde nos encontramos con Jenny en el árbol,
pero todavía se sabe que estamos en el Sur,
porque se ve este tipo de musgo y los robles viejos.
Una de las cosas más fantásticas de trabajar en películas como ésta
es que no sólo se viaja a través del tiempo,
examinando nuestro pasado reciente,
nuestras propias vidas,
sino que se consigue aprender mucho
sobre muchas cosas especiales de este mundo.
Por ejemplo, la pesca del camarón.
Yo no tenía ni remota idea de lo que era la pesca del camarón.
Y experimentar cosas como ésta mientras realizas una película,
te lleva a un mundo nuevo,
del que nunca hubieras sabido nada.
Aquí nos encontramos en el ambiente más puro de los 70 y la cocaína.
Creo que Don Burgess hizo un trabajo maravilloso en esta secuencia.
Si te fijas en la gama de colores que utiliza,
casi puedes sentir la dureza de esta droga
y lo que hace que este personaje haga lo que hace.
Recuerdo que cambió la gama de colores
a una gama mucho más templada, una gama verde azulada,
muy borrosa.
De manera que sientes el malestar.
Algo así.
Sientes como si su vida se hubiese ensombrecido por completo,
como la gama de colores utilizados en la secuencia.
Es increíble hasta qué punto uno puede alejarse de su camino.
Pero aún así, vuelves a él.
Y por último,
es asombroso pensar en todas las experiencias
y el deseo de descubrir el mundo que desarrollamos algunos individuos.
Ése es mi caso y creo que el de muchos de mi generación.
Antes de regresar a lo que es importante en realidad.
Por medio del personaje de Jenny
y del teniente Dan,
se muestran algunas de las experiencias más horrorosas
que uno pueda imaginar que es capaz de experimentar.
Y que necesitas experimentar
para descubrir lo que realmente tiene sentido.
Recuerdo que un día Bob llegó con este dilema.
Fuimos a inspeccionar este exterior y dijo:
"Voy a filmar este encuentro entre Dan y Forrest,
"y Don va a aparecer por este embarcadero.
"Va a ser muy conmovedor.
"Pero lo mejor viene cuando, de forma inesperada,
"Forrest salta desde el barco, dejándolo a la deriva.
"¿Qué pasaría si el barco chocara en el muelle y estallara?"
Era un viernes y creo que teníamos que rodarlo
en un día o dos.
Teníamos que apañárnoslas.
Había que preparar el muelle y asegurarnos
de que el bote chocara en el momento oportuno,
sin que sufriera daños.
Y que al mismo tiempo se detuviera antes de hundirse.
- Sí. - Sí.
En esta época esto se hacía de forma tradicional.
Con escenas reales.
Me gustaría comparar
los efectos digitales con un micrófono.
Nadie dice:
"¡Seguro que había un micrófono durante todo el tiempo!"
"¡Sí, sí que lo había!"
Pero ya nadie presta atención a eso.
Pero... ¿sobre qué fecha? Unos 90... No, ¿70 años atrás?
Todo el mundo hubiera hecho algún comentario sobre esto.
"¿Dónde crees tú que estaba el micrófono?"
Este tipo de cosas todavía despertaba agitación.
Y siempre saldrá algo nuevo
con lo que todo el mundo se obsesiona.
Y la idea de que si te cambias de corbata,
eso puede cambiar la forma de interpretar de un actor,
o cambiar la forma en que se edite una película.
Va a ser posible cambiar palabras directamente salidas de los labios.
Esto podrá realizarse con un programa de edición en unos años.
Y nadie lo va a cuestionar porque se trata de una herramienta más.
El truco de todo esto está en hacerlo de forma que no se note.
Un montaje invisible.
La razón de que la gente piense que los efectos especiales no se ven
está en que no creamos paisajes extraños,
o criaturas extrañas.
El público no puede pensar: "¡Eso es un efecto!"
Pero transformamos el cielo añadiendo pájaros,
y ese tipo de cosas.
Creo que mejoramos la película.
Es la misma tecnología que se utiliza para la creación de seres extraños.
Todos estos trucos se basan en imágenes digitales,
y hacen que el montaje sea tan invisible como la lente de la cámara.
Para tumbar al teniente Dan haría falta la fuerza de un dios.
Es todo o nada.
Esto fue una buena oportunidad para ahorrar dinero,
porque estas secuencias ya estaban.
Y esto es la imagen de lo que nosotros creamos.
Esto fue un huracán que apareció por allí,
y aún quedaban algunos escombros por donde pasó
que utilizamos como telón para rodar la escena.
Los efectos digitales van a formar parte de todo cuando sean más baratos
y se podrá ir más rápido porque el tiempo es dinero.
Todo se basa en el dinero.
Al final no tiene ninguna importancia.
Si esta película, tal y como es, con todos sus personajes,
se hubiera filmado en 8 mm., habría sido igual de impresionante.
Aunque no tendría la misma belleza técnica.
El formato de la imagen
es que no hubiera acarreado cambio alguno. Todo se basa en el guión.
El guión y la historia.
La parte técnica cambia constantemente
y siempre estará ahí como una herramienta.
Lo que vaya a ocurrir, ocurrirá.
Y el público lo asume...
Nos hacen saber lo que les gusta ver.
Por supuesto, Forrest no cambia nunca.
Él es un tipo que simplemente
va por la vida diciendo la verdad sobre lo que ve,
y todo lo que le rodea...
Las vidas de todos los que le rodean se ven afectadas.
La dinámica empieza a derrumbarse como un edificio de cartas,
porque él encuentra algo en todo el mundo,
de manera que todos los que le rodean se transforman,
y algunos son destruidos, como Bubba, y mueren.
Pero Forrest sigue adelante.
De forma que los dos personajes secundarios de la película
son Jenny y el teniente Dan.
Ellos representan esa realización humana.
Son un ejemplo de...
el crecimiento personal de cualquier ser humano,
donde hay que pasar por niveles distintos de sufrimiento
hasta quedar mejor que antes.
No me gustan las improvisaciones cuando la cámara está rodando.
Porque no me gusta ver actores intentando recordar su papel.
Cuando estamos trabajando, cuando estamos ensayando,
durante las largas lecturas del guión con el reparto,
cuando la escena no sale,
y un actor quiere probar algo
y podemos hacer que funcione, o yo pienso que está bien,
me lo imagino en escena y tomo nota.
Porque no es justo para otros actores
que uno de ellos empiece a inventarse párrafos...
No es justo para ninguno de los que estamos trabajando,
porque no saben qué hacer.
Así que me gusta tenerlo todo en el guión,
lo cual no significa que no se pueda cambiar,
y nunca me voy a meter con un actor
porque no diga los diálogos correctos,
a no ser que fuera algo crucial en la trama o en el personaje.
Así que si un actor quiere cambiar algo,
siempre que lo que quiera cambiar sea conveniente
y no estropee... el momento...
Si un actor quiere cambiar frases claves en la trama de la película,
no vamos a permitírselo.
Pero... el trabajo básico de un director...
No me gusta poner a mis actores bajo un psicoterapeuta.
Creo que lo único que necesitan es que el director les explique
cómo tienen que sentir a su personaje en escena.
Y lo que no tienes que hacer es decirles cómo hacerlo.
"Recuerdas qué sentías cuando tenías seis años al morir tu perro?"
No necesitan eso. Lo único que necesitan saber es...
Por ejemplo: "Aquí tienes que ponerte muy triste".
Y ellos se las arreglan para encontrar la forma.
Uno es como una válvula reguladora. Bueno, no tan triste.
Pero tienes que mantener su interpretación en perspectiva,
de manera que no interpreten a su personaje
al máximo al comienzo de la película,
sin dejar nada para el final.
Ése es el trabajo del director: Explicarle a los actores
los sentimientos de sus personajes.
Aquí empieza a decir todo lo que...
y salta a la vista que alguien lo ha puesto todo junto.
Todas estas secuencias y todo esto
va de un lado a otro de una forma muy simple.
Pienso que aquí el proceso de edición
es algo sobre lo que se deben hacer comentarios,
simplemente porque no se ve.
Pero en realidad, todo esto se resume en el guión,
que fue tan inteligentemente escrito,
de forma que todo se completa de una forma muy natural.
Pienso que esto es algo que consigue Artie Schmit en particular.
Él sabe exactamente lo que tiene que hacer
en relación con la historia que Bob está contando,
porque él es como un clavo.
Robin aportó tanto a su personaje
que realmente se puede sentir hasta qué punto ha llegado.
Y la autenticidad, según mi opinión, de su carácter.
Sí, no hay duda de que, al incluirla en el reparto,
teníamos que encontrar a alguien que en lo más profundo de su ser,
pudiera mostrar los sentimientos
de un ser profundamente herido.
Y Robin consiguió interpretar esto a lo largo de toda la película.
En algún lugar oculto, bajo su belleza,
existe este ser herido.
Y ella fue la única persona
que improvisó para el papel de Jenny en la película.
Improvisó con Tom desde el principio,
y todos volvimos de una reunión,
incluido Bob, pensando: "Es ella".
Habíamos terminado de buscar.
Creo que lo interpretó desde un punto de vista muy personal,
aunque no mostró sentimiento alguno sobre esto.
Así había sido su vida en realidad.
Y creo que se puede percibir.
Existen muchas similitudes entre Dan y Jenny,
en el sentido de que tienen...
un destino que creían que debían alcanzar.
Creo que Dan tenía muy claro cuál era su destino,
mientras que Jenny buscaba el suyo.
Pero al mismo tiempo ambos tenían que pasar por lo más extremo
para poder curarse a sí mismos.
En cierto sentido, creo que Jenny empezó muy mal.
No fue una solución para ella dejarse llevar por el viento, como la pluma.
De la misma forma que someterse a un destino premeditado
no fue una solución para el teniente Dan.
De forma que formaban las caras opuestas de una moneda.
Y en esta parte se representa la cura que tiene lugar en casa.
Éstos son ellos creando un hogar.
Y una vez más, Bob ha elegido el lugar donde se encuentra
para poder contar esta parte de la historia.
Cuándo encontrarse con lo íntimo y cuándo dar un paso atrás.
Y tal vez el resultado sea que se encuentra aún más intimidad por ello.
No sé si tengo una toma favorita en particular.
Probablemente sea algo simple,
donde no se encuentran efectos especiales o algo parecido.
Pero creo que mis tomas favoritas...
Si quieres que te conteste de la forma más honesta,
son las que son totalmente invisibles.
Éstas son las tomas de las que yo me siento más orgulloso.
Si piensas: "¡Qué montaje tan bueno!"
Entonces es que no he hecho un trabajo tan bueno,
porque significa que se ve,
y eso es que te he hecho vibrar
fuera de la experiencia de ver la película.
Algo así como poner una notita
que dice: "¡No olviden al director!"
Así que el tipo de montaje del que me siento más orgulloso
y el que mejor queda
es el que no se ve.
Como antes, cuando estábamos comentando
que Don y Bob decidieron dirigir la cámara hacia donde va la historia.
Aquí, en este momento tan íntimo, la cámara les sigue,
como en la escena en la que están bailando.
Un poco antes,
deciden mover la cámara fuera de escena
y permitirles guardar la intimidad de este momento
para ellos juntos,
o para ellos solos.
Decidí en esta sección de la película,
dejar silencio absoluto, y creo que el público lo necesita.
Se necesita este silencio para compartir la pena que él siente,
en estos momentos con Forrest.
La secuencia en la que corre es la más complicada
de incorporar en el rodaje de esta película,
porque tuvimos que crear un momento en el que Forrest
pudiera llevar a cabo esta carrera extraordinaria,
atravesando el país durante varias ocasiones.
Y tuvimos que planear la evolución de su cabello,
el maquillaje y el vestuario.
Y encontramos personajes en el camino que le siguen.
Estas tomas las realizamos sin ningún orden.
Siempre que teníamos la oportunidad rodábamos parte de la carrera,
y nos limitamos a referirnos a esta compilación elaborada
sobre su apariencia, con quién se encontraba y en qué momento.
El reto más grande de esta película es el número de montajes que hicimos.
No recuerdo bien el número ahora, pero creo que hicimos unos 70.
Creo los dos mayores retos fueron
crear un nuevo montaje cada día,
lo que significaba que teníamos que encontrar algo nuevo,
preparar la iluminación,
un grupo completamente nuevo de gente,
y un vestuario totalmente diferente,
debido a todos los periodos de tiempo en que se desarrolló la película.
Fue muy difícil. Y otra cosa que fue difícil
fue diseñar la carrera al final.
En lo que se refiere a la barba,
y el deterioro continuo de la ropa,
dónde podíamos rodar y cómo poner todas las piezas juntas.
Esto fue una pesadilla de verdad,
porque no había forma de hacerlo.
Y lo que hicimos fue rodar a Forrest
y al doble que corría por todo EE. UU.
Pero no podíamos realizarlo en tiempo real...
Esto fue para mí, muy difícil de realizar,
porque sabía que no podía realizar esas tomas más tarde.
No podía pensar: "Esta toma va antes
"porque la barba es demasiado corta".
Es interesante que todos los personajes históricos
que pusimos en la película ahora se han revertido,
y nuestro personaje principal se ha hecho tan famoso
como los personajes históricos que utilizamos,
como los presidentes o John Lennon.
De forma que se ha hecho tan importante en cierto sentido
como toda esta gente famosa.
Pienso que a esta altura de la película
también les ha incorporado a todos a su propio ser,
de forma que cuando lo observas,
eso es lo que sientes, en lo que él se ha convertido
y tener estas escenas, creo que fue fantástico.
Me acuerdo de que Bob me llamó
y leyó estas dos escenas que había escrito,
con un humor sano y escéptico.
Las leí y le dije: "Esto es de lo más horroroso, Bob.
"¡Debes estar bromeando!"
Y él dijo: "Oh no, tenemos que poner estas escenas".
Y de veras, esto era lo que el público necesitaba
en ese preciso momento de la película.
Bueno, aquí se queda la cosa.
Sí.
Filosóficamente ahí es donde nos encontramos.
Me encanta la explicación,
el punto de vista racional sobre cómo sucedió esto.
Él no dibuja muy bien y no tenía una cámara.
Pero quería imaginarlo.
Incorporando todas estas experiencias
en la vida de Forrest, donde él se encuentra hoy.
Y lo que todos experimentamos con esta película hasta este momento
nos impulsa directamente a avanzar a este momento en el que se encuentra
en el banco, cuando descubre que...
se encuentra a poca distancia de su destino.
Y éste es el momento clave de la película,
que nos transporta a ese punto
en el que queremos incorporarnos a él en el tiempo real.
Pero lo que pasa en Forrest Gump es que cuando llega al punto más serio
parece que la historia completa que hemos oído hasta ahora
no tenía que haber sucedido,
porque él no tenía que haber esperado a ese autobús.
Así que hemos estado en manos de un idiota.
Creo que en el primer guión,
la película acababa en el banco.
Y fue extraño, casi como en "Esperando a Godot",
donde te pasas la película entera en este banco,
y luego al final, ¿cómo acabas una película
donde uno se pasa todo el tiempo sentado?
Bob apareció con esta nueva idea
de desintegrarnos dentro del tiempo real
para acabar la historia.
Y creo que ésta fue la clave
para transportar la película a un nuevo nivel.
El guión original que escribió Eric era una narración completa,
y todo vino después
de que se nos ocurrió la idea, y realmente no recuerdo cómo,
de que la narración terminara en el tiempo actual.
De manera que la película tomara su propio rumbo,
y el único dilema era
que no podíamos conseguir una frase para la muerte de Jenny.
"Moriste un martes" o lo que quiera que dice es una frase muy importante.
Así que continuamos desde aquí,
hasta la escena del cementerio.
Y se convirtió en la frase más importante que mantuvimos.
Así que la idea de que la narración se interrumpiera era importante.
De forma que lo realizamos en el film real
y el resultado fue muy positivo para la película.
Ella tiene un hogar muy modesto,
pero me gusta la idea.
Y esta escena es muy...
conmovedora.
Es maravilloso saber que permanecían conectados
durante la carrera, donde él corría
porque no podía entender o controlar la pena que sintió al perder a Jenny.
Aquí ella estaba siguiendo su carrera.
Y Forrest estaba en su pensamiento en todo momento.
Por supuesto, al estar separados el uno del otro no podían saber esto.
Y aquí se introduce a alguien que la gente reconoce.
Sí, es el pequeño Haley Osment.
Era un niño entonces y nunca había hecho una película.
Le elegí como el pequeño Forrest.
Ya era un actor inteligente entonces,
y por supuesto se ha convertido, en una joven estrella de la pantalla.
Nancy Haigh, la decoradora interna de esta película.
Lo digo porque es como si se encontrara dentro de ella.
Ella lo hizo todo en lo que respecta al decorado.
Parecía saber exactamente lo que estaba haciendo
para incorporar todos los ambientes
ya fuera esta boda o la última escena
en el apartamento,
la casa...
Y creo que es porque exploró tanto la zona
y vivía, en un sentido, en esa zona.
Y todo lo que hizo,
lo que Nancy hizo en esta película parece natural.
Por ejemplo, cuando llega el teniente Dan,
y uno se da cuenta de que se encuentra en una posición...
Está a la misma altura que Forrest en lo que respecta a sus piernas.
La estructura de la historia,
donde concluyen las diferentes historias de los otros personajes,
es increíble,
porque todo se resume en Forrest, en última instancia.
Incluso cuando vemos esta escena, donde se lleva a cabo la boda,
sólo hay algunos amigos íntimos.
Aunque es una persona muy famosa, es un momento muy íntimo.
Es una escena muy mágica en la película,
que representa al tiempo que transcurre.
Y los tres por fin juntos, como una familia.
Todas las escenas mágicas de la película,
como por ejemplo cuando Forrest recuerda a Jenny,
eran reales, y se realizaron de una forma providencial
a la hora de firmarlas.
En cierto modo la experiencia de hacer la película fue providencial
porque podíamos haber tenido problemas insuperables
al realizar una historia como ésta.
Pero me di cuenta hacia el final del proceso que todo iba bien.
Nos preparábamos para un montaje
y me estremecía al pensar en el resultado final.
En Monument Valley con una hermosa puesta de sol.
Donde quiera que fuéramos, los personajes que teníamos que tener.
Es realmente singular, la forma en que todo parece salir naturalmente.
Todo queda bien.
Cuando pienso en ello,
lo que encuentro impresionante en esta película,
es que se basa en una historia sobre diferentes tipos de amor.
Se basa en amor entre amigos,
entre una madre y su hijo, entre un hijo y su madre,
amor de pareja, amistad y sufrimiento.
Se trata de todo esto,
y creo que por eso esta película es tan popular.
Porque creo que hay...
Algo así como algo bueno y algo malo,
porque lo malo
es que tenemos que ir al cine
para experimentar el sufrimiento en nuestra sociedad actual.
Pero es bueno porque la gente puede hacer eso,
y es lo que ha atraído a una cantidad enorme de espectadores.
Cuando la acabamos, pensamos:
"Nadie menor de 35 años va a entender esta película".
Antes de que la lanzáramos, pensábamos que se basaba
en la generación "baby boom", la guerra de Vietnam
y el movimiento hippy.
Pero entonces todo EE. UU. Vino a verla,
y pensamos que ninguna audiencia en el mercado internacional
entendería el mensaje porque todo se basa en la historia de EE. UU.
Y tiene un montón de jerga del humor americano.
Entonces se convirtió en una película famosa en todo el mundo.
Debe haber producido muchas emociones
que va más allá de la parte histórica de EE. UU.
Se basa más en una historia humana real
y en todos los ejemplos de las vidas de los personajes.
Lo bueno es que si hacemos una continuación,
Haley es ahora ya una gran estrella de la pantalla.
Ya era un gran actor de pequeño
y siempre ha tenido ese fuego. Fue muy interesante verle empezar.
Y Hanna también, la pequeña Hanna.
Ella sólo había aparecido antes en "The Virgin Suicides".
Me encanta ver a estos actores tan jóvenes...
cómo maduran, y se convierten en muy buenos actores adultos.
Es muy cómodo tener estos puntos de referencia en una película.
Para saber dónde comienza.
Vemos esta imagen de una pluma que vuela y...
empieza la historia, y te sitúa en esta fábula.
Y entonces al final, hemos aprendido mucho
y tenemos la experiencia.
Esto es lo maravilloso, que nos permite pensar,
como si el recorrido de la pluma
cerrara el libro por nosotros.
Muchos cineastas trabajan sin parar,
porque no quieren enfrentarse con el bajón que se experimenta.
Pero siempre tienes que parar cuando acabas un proyecto.
Esto se intensifica cuando todo el mundo es maravilloso
a la hora de trabajar, y todos lo hacen tan bien.
Y el vacío se siente cuando toda esta pasión te abandona.
Todo el mundo se sentía tan apasionado con esta película,
que quieres sentirte así en todo momento.
Los que me conocen
saben que pasé un año después del film con una depresión muy grave.
Todo el mundo pensaba: "Es porque ha tenido éxito".
Y no fue el éxito de la película.
Se trataba simplemente de que me sentía deprimido porque
esa experiencia tan maravillosa en mi vida profesional había acabado.
Esto es lo bueno y lo malo de hacer películas, que se acaban.
Siempre se acaban.
Sabes que siempre vas a acabarlas.
Eso está bien
porque al menos no es uno de esos trabajos
como Jack Lemmon en 'The Apartment', donde tu trabajo no termina nunca,
y te limitas a mover una hoja de papel de un lado al otro.
Pero el precio que se paga por realizar estos proyectos
que tienen que terminarse
es que tienes que enfrentarte al vacío
que llega cuando terminas.
Y todo el mundo se enfrenta a esto de una forma distinta.
Yo personalmente voy a optar por pasar por este periodo,
sin firmar otro contrato.
Porque sé que no podría...
Reaccionaría de una forma equivocada
y acabaría por realizar un proyecto que no saldría bien.
Decidiría realizarlo por otras razones
en vez de mantener una mente clara.
Tendría unas reacciones similares a las que acabo de tener.
Así que mi consejo es enfrentarse a ello y saber que va a pasar.
Estas cosas suceden...
Y lo que pasa cuando haces una película de este calibre,
es que llegas a un desmoronamiento total en menos de 12 horas.
Durante los dos años que pasan para hacer esta película,
te sumerges en el marketing, la publicidad, la propaganda,
la programación del lanzamiento...
Estás al frente de esta locomotora
y tienes una lista de cosas tan larga como tu brazo.
Y el día en que se estrena la película nadie te necesita más.
Te pasa en 12 horas.
Y se acabó.
Tu agente te pregunta: "¿Has visto las ganancias?"
Y ésa es la única llamada.
Porque se acabó el rodaje y has hecho tu trabajo.
Y todo acaba en un desmoronamiento total,
y tienes que aprender a vivir con ello
porque se acabó por completo.